華盛頓國家美術館（National Gallery of Art, Washington DC）

概述：

國家美術館（英語：National Gallery of Art），是一座位於美國華盛頓特區的藝術博物館，常縮寫為NGA，隸屬於美國政府。建築物本身份為東西兩棟，靠地下通道相通。儘管該館周邊有多個史密森尼學會名下的博物館和美術館，但該館與史密森尼學會並沒有隸屬關係。館內主要收藏14-18世紀的義大利、荷蘭、法蘭德斯及英國繪畫作品，以及19世紀印象派及後印象派畫作為主，亦有收藏部分20世紀的繪畫及雕塑作品，是全美對於文藝復興及巴洛克繪畫收藏最完善的博物館。

藝術館故事：

匹茲堡銀行家及之後的財政部長安德魯·W·梅隆於第一次世界大戰期間開始收集古典繪畫大師的繪畫及雕塑作品，並於1920年代晚期決定將他的收藏安放至由國家建立的藝廊裡。在經過一系列討論與決定後，梅隆決定採納約翰·羅素·波普的設計，建造一棟全新的建築來安放他的收藏，並計劃將此建築及收藏全數捐贈給美國政府，但直到梅隆去世的1937年，他的這項計劃才被美國國會批准，他刻意不將藝廊以他的名字命名，有一說是為了誘導其他富有的收藏家仿效他的收藏，將作品捐贈給國家而不是用座私人收藏。國家美術館的西翼於1941年完工並於同年對外開放。

併為了增加展覽空間，於1978年擴建了東翼，由美籍華裔建築師貝聿銘設計；而於1999年5月23日，博物館最後一區國家美術館雕塑園竣工並對外開放，為一個位於戶外且專門展示雕塑的空間。

藝廊每隔幾年便會進行大規模翻修，最近一次翻修為2013年時耗資6,840萬美元翻修博物館的東翼。

著名藏品：

從開始到20世紀90年代，美國國家美術館收藏的藝術品大約有4萬多件。其中有達·芬奇的《吉內夫拉·德本奇像》、拉斐爾《聖母圖》、凡·愛克的《聖母領報圖》，還有包括安吉利科修士、彼埃德羅·德拉·弗朗西斯卡、貝利尼、倫勃朗、馬奈、莫奈等歐洲古典藝術大師的作品。美國著名畫家斯圖爾特的《華盛頓像》、薩維奇《華盛頓的一家》等名畫亦在畫廊中熠熠生輝。美國著名畫家科普利、伊肯斯、霍默等人的作品同樣引人矚目。在第二層展覽區，各類展廳分為威尼斯及義大利北方文藝復興時期繪畫、佛羅倫薩及義大利中部文藝復興時期繪畫、17-18世紀義大利繪畫、西班牙繪畫、佛蘭芒和德國繪畫、17-18世紀法國繪畫、19世紀法國繪畫、美國繪畫、英國繪畫等相對集中的主題，向參觀者展示藝術大師的珍品。

著名藏品（高畫質圖點選可放大）：

撐傘的女人（克洛德·莫奈 1875）

作品名稱：Woman with a Parasol - Madame Monet and Her Son

創作者：Claude Monet

創作年代：1875年

風格：印象派

材質：布畫油畫

現位於：National Gallery of Art, Washington, DC

實際尺寸：78 cm × 65.3 cm

在馬奈的幫助下，莫奈於 1871 年末在郊區阿讓特伊找到了住處，這一舉動開啟了他職業生涯中最為豐饒的階段之一。印象派在 19 世紀 60 年代末由一種願望演變而來，即創作大尺幅、多人物的日常戶外情景畫。在其最純粹的形態中，印象派與風景畫相契合，而風景正是莫奈所偏愛的題材。在《持傘的女人——莫奈夫人及其子》中，他作為人物畫家的技藝同樣顯而易見。與學院派肖像畫那種做作的慣例相反，莫奈對被畫者面部特徵的刻畫與對環境的描繪一樣自由。該作品於 1876 年在第二次印象派展覽中展出時，其自發性和自然感受到稱讚。 《撐傘的女人》是在戶外繪製的，可能在一次持續數小時的作畫過程中完成。畫家希望這幅作品傳達一種隨意的家庭郊遊感，而非正式肖像，因此透過姿態和構圖安排來暗示他的妻子和兒子在散步時被他短暫停下以便他捕捉他們的相貌。這裡所表現的瞬間短暫性透過一系列充滿活力的生動筆觸來傳達，這些鮮明色彩的筆觸是莫奈在形成的風格中具有代表性的特徵。明亮的陽光從卡米耶身後照射過來，使她傘頂和後襬的飄動布料顯得泛白，而下面野花的色彩反射則在她的前側觸出一抹黃色。

吉內薇拉·班琪（達‧芬奇 1474年——1478年）

作品名稱：Ginevra de' Benci

創作者：Leonardo da Vinci 

創作年代：1474年——1478年

風格：文藝復興

材質：木板油畫

現位於：National Gallery of Art, Washington, DC

實際尺寸：38.1 cm × 37 cm

她是佛羅倫薩一位富有銀行家的女兒，她的肖像——美洲地區唯一一幅列奧納多·達·芬奇的畫作——很可能是在她 16 歲結婚時委託繪製的。列奧納多本人年紀只比她大約六歲。這幅肖像是他在油畫這一新媒介上最早的嘗試之一；畫面表面有些起皺，顯示他仍在學習如何駕馭油畫。然而，對自然的細緻觀察和吉內芙拉麵部微妙的立體感無可置疑地預示了列奧納多將用以革新文藝復興繪畫的新自然主義。吉內芙拉的塑造透過逐漸加深的煙霧般陰影層次來實現——不是靠線條，也不是靠突兀的色彩或光線過渡。 吉內芙拉肖像的其他特徵則揭示了年輕列奧納多作為創新者的一面。他把她置於開放的環境中，而當時女性仍通常被小心地安置在家庭宅院的內牆之內，風景只能從敞開的窗戶中一瞥。他採用的三季度姿勢展現了她沉穩的矜持，這在義大利肖像畫中無論男女，都是最早出現的姿態之一。 在過去的某個時候，可能因為損壞，畫板底部被削去幾英寸，去掉了吉內芙拉的雙手。達·芬奇的一幅素描保留了她們的樣子——輕輕擱在腰間，握著一小枝植物，也許是一枝康乃馨，這種花在文藝復興時期的肖像中常用來象徵虔誠或美德。吉內芙拉的臉被刺狀的常綠杜松叢葉框住，曾經更為鮮亮的綠色隨著年齡變成了褐色。杜松指代她的貞潔，這是文藝復興女性的至高美德，並與她的名字形成了雙關。義大利語中杜松是 ginepro。 絕大多數女性肖像是在兩種場合之一委託的：訂婚或婚禮。婚禮肖像往往成對製作，女性位於右側。由於吉內芙拉麵向右側，這幅肖像更可能是為紀念她的訂婚而作。然而，她沒有明顯的華飾，這有些令人驚訝。珠寶、奢華的錦緞和精緻的禮服都是嫁妝交換的一部分，用以顯示家族的財富。

獅子窩裡的丹尼爾（彼得‧保羅‧魯本斯 1614年——1616年）

作品名稱：Daniel in the Lions' Den

創作者：Sir Peter Paul Rubens

創作年代：1614年——1616年

風格：宗教藝術

材質：木板油畫

現位於：National Gallery of Art, Washington, DC

實際尺寸：224.2 cm × 330.5 cm

《舊約》記載，波斯王大流士一世（公元前 550–486 年）將虔誠堅定的但以理投入獅子坑，因他敬拜的是神而非王。翌日，當封堵入口的石頭被移開時，驚訝的波斯人看到但以理仍然活著，正在感謝上帝在夜間保守他安全：“但以理對王說，王萬歲！我的神差遣他的使者，封閉獅子的口，使它們未曾加害於我；因在他面前，我在無辜；在你面前，我也未曾行過害人的事。”（但以理書 6:21–22）對神學家而言，但以理在坑中奇蹟般的存活象徵著基督從墓中復活，並象徵上帝對堅信者所作保護的應許。

在宗教改革期間，為了應對新教日益增長的勢力，天主教會頌揚早期基督教殉道者的角色，以此激發信徒產生同樣的宗教熱忱。只有經歷過類似的深重絕望，個人才能真正體會基督受難的程度。丹尼爾提供了一個積極的殉道者典範：透過個人的信仰、堅強、堅定與忍耐，在嚴酷的迫害中倖存下來。

彼得·保羅·魯本斯，十七世紀最偉大的大師之一，也是虔誠的天主教徒，他巧妙地將現實主義與戲劇性結合，以引發強烈的情感反應。例如，幾隻獅子直視著我們，暗示我們與它們共享空間，並像但以理那樣感受到同樣的威脅。透過將它們描繪得接近真人大小且具有令人信服的寫實性，魯本斯增強了這種臨場感。獅子栩栩如生的動作和其毛皮的精細刻畫，源於魯本斯在布魯塞爾皇家動物園的直接觀察和速寫。戲劇性的光線以及但以理祈禱姿勢中誇張的情感表現也增加了真實感。這幅宏大、有力、生動的畫面無疑是魯本斯在 1609 年從義大利回到安特衛普後那段多產歲月中最令人難忘的藝術成就之一——在那時的十二年休戰初期，他成為南尼德蘭攝政者阿爾布雷希特大公與伊莎貝拉大公爵夫人的宮廷畫家。

約在 1600 年，魯本斯受過古典理想和哲學的訓練，他從安特衛普遠赴義大利，親身體驗那裡的藝術傳統，這些傳統不僅包括古代和文藝復興時期的作品（如拉斐爾和米開朗基羅的作品），還包括當代藝術家如卡拉瓦喬所創作的作品。他從這種多方面的接觸中獲得的靈感深刻影響了他自己的繪畫風格，併成為其未來創作的基礎。例如，雖然那些獅子的栩栩如生反映了魯本斯對這些高貴獸類的個人觀察，他也將它們的姿態基於自己在義大利見到的古代雕塑。像《但以理在獅子坑》中那樣戲劇性且大膽施展的畫布，魯本斯對整個歐洲的藝術家產生了持久的影響。

持秤的女人（約翰內斯·維米爾 1664年）

作品名稱：Woman Holding a Balance

創作者：Johannes Vermeer 

創作年代：1644年

風格：荷蘭黃金時代繪畫

材質：布畫油畫

現位於：National Gallery of Art, Washington, DC

實際尺寸：42.5 cm × 38 cm

《持秤的女人》是約翰內斯·維米爾對穩定感與節奏感把握精妙的絕佳範例。一位身著帶毛邊藍色外套的女子平靜地站在房間一角的桌旁。她右手的天平處於平衡狀態，暗示著她內心的寧靜。房間後牆掛著一幅黑框的大幅《末日審判》畫作。堅固的桌面上鋪著一塊閃爍的藍布，散放著開啟的盒子、兩串珍珠和一條金鍊。柔和的光線從窗外照入，照亮了整個場景。女子沉思凝重，以至於觀者幾乎不忍打擾她這靜謐的沉思時刻。 女人與《最後審判》之間的視覺並列透過主題上的相似性得以強化：審判即稱量。此場景具有宗教含義，似乎與聖伊納爵·羅耀拉在其《靈操》中對信徒的指示有關——在默想之前，信徒應先檢視良心，像面對最後審判那樣稱量自己的罪過。只有這樣的內省才能引導人在生命道路上作出有德的選擇。《持天平的女子》因此以寓言的方式敦促我們以節制和適度來度過人生。這名女子處於黃金與珍珠等塵世財物與她行動的永恆後果的視覺提醒之間，處於一種平衡之中。 維米爾透過他極為精煉的構圖和光線強調了這一資訊。例如，握著天平的手正位於畫面暗角的正前方，而天平則以裸露灰泥牆為背景——這是維米爾透過細微的空間處理創造出的效果。注意，例如，左側靠近女子處《最後審判》畫框的下沿比她背後那一側略高，給天平留出了位置。

羅馬萬神殿的內部（喬瓦尼·保羅·帕尼尼 1734年）

作品名稱：Interior of the Pantheon, Rome

創作者：Giovanni Paolo Panini

創作年代：1734年

風格：巴洛克

材質：布畫油畫

現位於：National Gallery of Art, Washington, DC

實際尺寸：128 cm × 99 cm

在帕尼尼的時代，和我們現在一樣，萬神殿是羅馬最重要的旅遊景點之一。建於 2 世紀哈德良統治時期的這座莊嚴穹頂神廟得以完整儲存，歸功於公元 609 年被奉為基督教堂——聖瑪利亞圓形教堂。帕尼尼的描繪中人群熙攘，有來自外國的遊客，也有來自各個社會階層的羅馬人，他們聚集在萬神殿中祈禱、交談並欣賞這令人驚歎的建築。 帕尼尼受過建築與舞臺設計訓練，他透過操控透視，使畫面展現出比從任何單一地點實際可見更為廣闊的內部視角。視點位於建築深處，面朝入口。門廊敞開，可以看到門廊巨大的柱子以及教堂前廣場上方尖碑的一瞥。透過穹頂中央的天窗，帕尼尼展現出佈滿雲彩的明亮蔚藍天空。 正如卡納萊託之於威尼斯，潘尼尼之於羅馬。兩位藝術家都以精準的技巧和鮮明的色彩記錄了他們城市的紀念性建築以及居民的日常來往。在本幅畫作中，潘尼尼描繪了那座啟發國家美術館西樓圓形大廳設計的古典地標。

5幅著名藏品（超高畫質圖）：

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