🎨基本資訊速覽
• 姓名：安東尼·葛姆雷（Antony Gormley）
• 生卒：1950–
• 國籍：英國
• 所屬流派：當代藝術 / 概念性雕塑
• 代表作品：《北方的天使》《另一個地方》《事件地平線》
「當雕塑面對身體的物質性與另一種物質性時，其核心目的在於介入想像力，在空間深處或潛意識的靈魂深處，與所有無法觸及與觀察的事物建立連結。」——安東尼·葛姆雷
早年生活
安東尼·葛姆雷於1950年8月30日出生於英國倫敦，是家中七個孩子中最年幼的，成長於天主教家庭。其父母擁有德裔與愛爾蘭血統，這種多元文化背景也影響了他對「身體」與「精神性」的思考。葛姆雷曾表示，父母為他取名時選用首字母「AMDG」，暗含拉丁語短語 Ad maiorem Dei gloriam ——「為上帝更偉大的榮耀」。 安東尼·葛姆雷在漢普斯特德花園區一個羅馬天主教家庭中成長。家境富裕，僱有廚師與司機，住宅可俯瞰高爾夫球場；其父是位藝術愛好者。
童年時期，他對自然、身體感知與宗教儀式展現強烈興趣。儘管自幼接受嚴格的天主教教育，他仍不斷質疑「身體與靈魂」的關係，此後成為其創作的核心命題。
他曾就讀於：
• 安普福特學院（Ampleforth College）：英國著名本篤會天主教學校；
• 劍橋大學三一學院（Trinity College, Cambridge）：研習考古學、人類學與藝術史；
• 畢業後，他前往印度、斯里蘭卡等地，深入學習佛教冥想與東方哲學，這段經歷對他影響極大。
歸國後進入倫敦斯萊德藝術學院深造，正式開啟雕塑創作之路。
藝術之旅
安東尼·葛姆雷的職業生涯始於1981年在白教堂美術館舉辦的個展。此次展覽中，葛姆雷呈現了一系列關注表面、皮膚與內部結構的作品，例如《自然選擇》——這件長達10米（33英尺）的裝置包含工具、水果、武器與蔬菜，全數以鉛包裹；以及《房間》，這件作品由藝術家的一套衣物製成，形似帶刺鐵絲網的圍欄式圍合體。
三種方式：模穴與通道（Three Ways: Mould Hole and Passage）
葛姆雷隨後將注意力轉向人體，以石膏製作自身軀體的模具，再將其包裹於鉛層之中。這些作品例如三段式雕塑《三種方式：模 洞與通道》（Three Ways: Mould Hole and Passage）與《陸海與空 II》（Land Sea and Air II），以及單體軀殼作品《高原》（Plateau）、《夜》（Night）與《凝視者》（Peer），皆試圖將身體視為一種空間進行研究。用葛姆雷的話說：「如何將身體轉化為既能容納又能佔據空間的容器？早期三件鉛作是我首次使用自身身體創作的作品。當時我試圖繪製身體的現象學圖景，尋求一種喚起身體的新方式——將身體視為不那麼像『物體』，而更像『場所』；一個轉化的場域，以及身體與空間經驗的軸心。」 整個1980年代，葛姆雷的鉛製身體外殼被延展、懸掛、密封、穿孔，有時更被合併成兩個相連的形態。他於1987年在澤維爾·休夫肯斯畫廊舉辦首次個展，該畫廊至今仍是葛姆雷的代理機構。
臨界質量 II（Critical Mass）
在二十世紀九〇年代，空心的人體外殼轉為實心，葛姆雷將作品鑄成鐵塊，創造出能置換空間的體量。其中一件作品《臨界質量 II》曾安裝於維也納一座舊有軌電車停放站。 由六十件真人尺寸雕塑組成，呈現各種姿勢與體態，葛姆雷曾稱此作為「對二十世紀受害者的反紀念碑」。 此後該作品於多國不同語境中展出，每次皆依環境重新配置。值得關注的展場包括倫敦皇家藝術學院、中國長沙藝術博覽會，以及義大利佛羅倫斯的貝爾維德雷要塞。
《臨界質量 II》的鑄造過程，1995年
《另一處》（Another Place）
至1990年代後期，葛姆雷已發展出其「身體鑄模」技術，並開始以鑄鐵製作實體人形。第一步是用保鮮膜將自己包裹起來，然後用浸濕襯布的石膏包裹全身——在石膏凝固期間他要保持姿勢超過一小時。這是一項耐力的考驗，而他對此經過良好訓練。多年前，在中東與亞洲旅行時，他曾修習佛教內觀（Vipassana）冥想——這種修行要求每日靜坐十二小時，專注於寂靜之中。
《另一處》（Another Place）的百尊鑄鐵雕像最初為德國某海灘創作，其後移至挪威與比利時。這些雕像作為2005年第四屆利物浦雙年展的一部分抵達默西塞德郡的克羅斯比海灘——原定停留18個月，但因其持久的受歡迎程度，如今仍駐足於此凝望海面。
這件作品由鑄鐵人物構成，面朝大海，分佈在滑鐵盧與布倫德爾桑茲之間長達 2 英里（3.2 公里）的海灘上。每尊雕像高 189 公分（6 呎 2 吋），重約 650 公斤（1,430 磅）。這些雕像乃戈梅利本人身體的鑄造複製品。隨著潮汐漲落，雕像時而顯露於海水之上，時而淹沒於海水之中，同時承受海水侵蝕與海洋生物附著的影響。雕像由西約克郡哈利法克斯的哈格里夫斯鑄造廠與西布朗維奇的約瑟夫與傑西·西頓斯鑄造廠，在鑄造師德里克·亞歷山大的主導下完成鑄造。
最初，這些雕像原定於2007年11月遷移。那些在海灘進行水上運動的人是反對雕像留下的最激烈群體之一，他們以安全問題為由反對。 海岸警衛隊亦表達安全疑慮，擔心遊客可能陷於鬆軟沙灘而遭潮水隔離。與此同時，環保人士抱怨鳥類覓食區因遊客激增而遭破壞。藝術愛好者與當地商家則遊說保留雕像。葛姆雷本人支援將雕像保留在克羅斯比海灘的提案，稱該地點「相當理想」。
2007年3月，《另一個地方》獲準永久安置於克羅斯比海灘。 批准方案規定將爭議區域內的16座雕像移除，並將裝置佔地面積從232公頃縮減至195公頃。工程費用估計為194,000英鎊，由Another Place Ltd支付，資金來源包括The Northern Way及西北發展局等機構。
在一份新聞稿中，錫夫頓大都會區議會執行長格雷厄姆·海伍德表示：「儘管存在一些爭議，這件享譽國際的藝術作品已引發國內外公眾和媒體的支援……『鐵人』使克羅斯比和錫夫頓牢牢成為聚光點，其帶來的連鎖效應應在未來數年內顯現。」
2012年，利物浦大學生物學家研究了潮間帶固著生物（如入侵種藤殼類）對這些雕像的定殖情況。
北方天使（Angel of the North）
「北之天使」高聳20米，翼展達54米，宛如巨型客機俯瞰蓋茨黑德附近的A1高速公路。蓋茨黑德議會委託藝術家創作能體現地區特色的紀念性作品——對葛姆雷而言，選址於昔日煤礦遺址是接下此案的關鍵因素。他解釋：「我想打造一件物件，在東北地區人民經歷痛苦轉型時期時，能成為希望的焦點——他們被遺棄在工業時代與資訊時代之間的空檔中。」
葛姆雷的設計以自身軀幹為基礎，但增添了「翅膀」——微微前傾，彷彿迎風而立。這座由500噸鋼材與混凝土構成的雕塑（其中60%如冰山般埋入地下），在鄰近的哈特爾浦完成加工。當運送軀幹與翅膀的卡車隊歷經五小時艱辛緩行抵達現場時，沿途數千名揮手歡呼的觀眾駐足路旁。二十多年後，這座雕塑每年吸引約15萬人參觀——另有3300萬名過路駕駛者得以瞻仰。
哈特爾浦鋼鐵製造公司負責製造和組裝這座重達208噸的雕塑。1998年2月14日，天使在夜間被運至安裝地點，並於次日上午豎立。這項工程在設計和建造過程中曾遭遇反對，但如今被廣泛視為公共藝術的標誌性範例，也是蓋茨黑德及更廣闊的東北地區的象徵。
儘管「北方天使」是座靜態雕塑，其設計初衷是讓觀者從多角度欣賞，並供以時速平均60英里（97公里/小時）疾馳而過的旅客觀覽。葛姆雷於1994年在原始雕塑協議中加入條款，規定此雕塑不得進行照明。 「北方天使」設計使用壽命超過100年。有人聲稱它是英國最大的雕塑，但其他雕塑——包括阿尼什·卡普爾的阿塞洛爾米塔爾軌道塔——也宣稱擁有此頭銜。
如同安東尼·高姆雷（Antony Gormley）的許多雕塑作品，天使雕像引發了關於藝術、政治、環境與社會之間關係的探討。 葛姆雷選擇天使作為主題的解釋是，此形象具有多重功能：既是對該地工業歷史的提醒——其下方曾是廢棄的採石場，礦工們在此工作了數個世紀；亦是對未來的指涉，象徵從工業時代邁向資訊時代的轉變；同時更是人類希望與恐懼的聚焦點。 因此，在葛姆雷的構思中，天使更多是希望的象徵，而非宗教的象徵。葛姆雷還表示：「人們總是問，為什麼是天使？我唯一能給出的回答是，沒人見過天使，我們需要繼續想像它們。」 在將這座雕塑的現代性與歷史上的天使概念相比較時，蓋爾-妮娜·安德森（Gail-Nina Anderson）指出，《北方天使》「也是 1990 年代的天使，是一座對現代工程學的高科技致敬，正值一個忙於以仙子與天使、靈導與輪迴自娛自樂的時期。」
亞洲場域（Asian Field）
2006年雪梨雙年展展出葛姆雷的《亞洲場》，這件裝置由約300名中國村民耗時五日，以100噸紅陶土製作出近20萬個微型泥塑。 對他人作品的運用引發小範圍評論。部分泥塑遭竊。同年，高姆利高25公尺（82英尺）的《廢棄人》被焚毀，成為瑪格特出走行動的高潮。其他合作專案包括《泥土與集體身體》、《澳洲內部》、《領域》以及高姆利持續進行的「場域」系列作品，包含《亞洲場》、《澳洲內部》、《領域》以及持續進行的「場域」系列作品。《澳洲內在》（Inside Australia）、《領域場域》（Domain Field），以及戈姆利持續進行的「場域」系列作品，包含《亞洲場域》（Asian Field）、《亞馬遜場域》（Amazonian Field）、《美國場域》（American Field）、為新南威爾斯美術館創作的《場域》（Field for the Art Gallery of New South Wales）以及為不列顛群島創作的《場域》（Field for the British Isles）。
2003年，英國藝術家安東尼·葛姆雷邀請約300名來自象山村（今廣州花東鎮）各年齡層的居民，在五天內製作約20萬個泥塑小人。僅有三個簡單要求：每個小人必須手掌大小、能站立且擁有雙眼。除此之外，製作人可自由發揮創意。作為裝置藝術，《亞洲田野》旨在引導觀者從單一視角觀賞。當你凝視這片人物海洋時，他們似乎也在回望你。
這件裝置屬於葛姆雷自1989年開始創作的「田野」系列。該系列的其他版本曾在澳洲、北美與南美、英國及歐洲展出。在每個地點，藝術家均使用當地取材的泥土，並邀請當地社群手工塑造這些小人。作為該系列迄今最大、最宏偉的作品，《亞洲田野》反映了中國廣袤的國土與龐大的人口。
本次展覽同時展出攝影師張海兒的作品，他以鏡頭記錄《亞洲田野》的創作歷程。張海兒為每位製作者及其一件作品進行配對拍攝，創作出一系列肖像作品。肖像中的人物凝視鏡頭，引領觀者想像他們的性格與態度如何轉化為雕塑作品的靈魂。
Antony-Gormley-Asian-Field-English.pdf
澳洲內幕（Inside Australia）
1979年，在美國自駕旅行期間，高姆利與妻子維肯·帕森斯造訪了沃爾特·德·瑪利亞位於新墨西哥沙漠的大型地景藝術作品《閃電場》。這件作品對高姆利產生深遠影響，他向馬丁·凱格-史密斯坦言：「那對我而言是個難以置信的時刻——空間的感知，以及作品與其所處之地完全無法區分的實相⋯⋯彷彿是對景觀的一種針灸。」
《閃電場》在葛姆雷的《澳洲內陸》中獲得呼應，後者由51座鑄鐵人體形態散佈於西澳長達10公里的鹽殼湖床。葛姆雷與前採礦社群門齊斯（Menzies）的居民合作，這些人自願接受人體數位掃描。基於這些掃描資料，他創造了所謂的「內部人」——將人體體量削減至核心，身高相同但質量僅為原始物件三分之一的形體。其成果是人類形體的濃縮精髓，類似舊石器時代洞穴壁畫中的簡筆人形。
葛姆雷表示，《澳大利亞內部》旨在引導觀者緩步體驗。「當人們穿行於作品之間時，他們會在湖面刺眼的白色之上留下作品間相互連結的線條或紋跡，」他解釋道。「這是觀者參與作品的標記，如同天空般，在每個季節的不同時段都會產生變化。」
最佳參觀時段為清晨或黃昏，此時雕塑的陰影會延伸至湖面。全程至少需兩小時，但若要觀賞全部51座雕塑則需更長時間，因它們相距達500米。建議結伴同行並攜帶飲用水，夏季高溫可能相當酷熱。
清場（Clearing）
葛姆雷的繪畫工作室位於倫敦國王十字區工作室群的頂層，這處私密空間與創作大型作品的巨型工坊相隔而立。繪畫——運用從鉛筆、毛筆乃至稱為刻刀的蝕刻工具等多元媒材——是他創作的重要環節。繪畫既是終極目標，亦是構思理念的媒介，其中某些構想後來發展成雕塑或其他作品，或與既有創作產生關聯。
《清場》是一條由數公里長的方形鋁管構成的單一線條，沒有起點也沒有終點。這是一種「在空間中繪製」的作品，在畫廊內盤旋纏繞，由地面、牆壁和天花板限定範圍。戈姆雷創作過多幅同名的畫作。 這些……2006–2009年間的大型《清場》素描尤其回溯至將它們帶入存在的指示性痕跡。每幅素描（迄今已逾百幅）皆將生活化瞬間的現實銘刻於紙上，因藝術家身體的姿態取代了單純的手部觸碰。 葛姆雷曾將這些素描稱為「一種手-臂-腦的編舞」或「僅是活動的痕跡，我將身心視為一種感應器來使用。它們幾乎像不同向量的心電圖。」對他而言，這些素描亦是身體流動狀態下的心理圖示。例如《開闢L、LI與XLVIII》（2006）便昭示著潛藏的能量釋放。隨著手臂的物理旋轉，它們在紙上勾勒出寬闊迴路般的弧線。然而此時，這些細線並非被繪製，而是透過使用一種通常用於蝕刻的鋒利金屬刻刀「雕刻」而成。此舉使預先洗淨的底層紙紋顯露，此技法令人聯想起他早期石雕中的刻線，例如《Skin IV》（1978）中刻劃的線條。蝕刻與素描之間始終可塑的連結在此顯現，但此處的成果卻是獨特且不可複製的。值得注意的是，在《開闊地100、101與104》（2009）中，線條從銘刻中解放出來，素描既成為時間的記錄，同時也構成一種標記。 對觀者而言，放緩時間去凝視，為思考空間更廣泛的意義留出餘地。
Antony Gormley | Clearing VIII.mp4
如同《澳大利亞內部》般，《清場》是件觀眾參與對體驗與意義皆至關重要的作品。穿行於金屬環圈之間與周圍，使參觀者得以用嶄新方式與畫廊空間及自身在其中的身體互動並深化理解。
待續